セシリア・ペテルソンはスウェーデンのヨーテボリを拠点に活動するフリーランスのデザイナー／アーティスト。デザインの修士号を取得（2009年にヨーテボリ大学デザイン工芸アカデミー（HDK）卒）。セシリアはプリントパターンのデザインを専門としており、彼女の創作は、手描きのドローイングやペインティングから始まる。

あなたはご自身をどのように定義しますか？テキスタイルデザイナー？イラストレーター？ビジュアルアーティスト？それともこのすべて？

通常、自分のことを「プリントパターンデザイナー」だと定義しています。衣料向け生地にプリントされるモチーフのイラストや、デザインパターンを描いたりしています。

テキスタイルデザインに興味を持ったきっかけと、それを仕事にしようと思ったきっかけを教えてください。

スウェーデンのヨーテボリ大学デザイン工芸アカデミー（HDK）でデザインを学びました。卒業後、グラフィックデザインに集中すべきか、イラストレーションに集中すべきか、それともプロダクトデザインに集中すべきか、自分の中で葛藤がありました。 修士課程に進み、パターンデザインを専門にすることに決めました。

パターンデザインは総合的で、すべてのプロジェクトが異なります。私のデザインが生地にプリントされることもあれば、壁紙になることもあります。

北欧のデザインはシンプルで機能的というイメージがあります。これはあなたのテキスタイルデザインにどのような影響を与えていますか？また、好きなデザインの原則はありますか？

私のデザイン言語は、北欧のスタイルとはかけ離れていると思います。私のデザインはmore is moreで、多くの場合北欧デザインはless is moreですからね。でも、私はスウェーデンを取り巻く環境、自然にとても影響を受けています。モチーフに選ぶのはスウェーデンの動物であることが多いですし、森を描くのも大好きです。

新しいテキスタイルデザインを開発する際の創作プロセスについて教えてください。インスピレーションは通常どこで得ますか？

私のインスピレーションのほとんどは、スウェーデンでの自然にとても近い生活から得ています。私のモチーフは、子ども時代とスウェーデンの自然から着想しています。通常の場合、実際にどう見えるかよりも、記憶やアイデアからイメージを膨らませて作品を制作しています。写真から絵を描くのは好きではなくて、例えば花を描くなら、実際の花を目の前にして描きたいのです。その花がどのように成長し咲いていくのかがわかりますからね。

スケッチがあまり得意ではないのもあって、コピックを愛用しています。インクから始めて、紙の上で起こることを中心にデザインを展開していくのです。大まかなプランはあるけれど、たいていの場合は流れに身を任せています！

欧の文化や自然は、この地域の多くのデザイナーにとって豊かなインスピレーションの源です。北欧の文化や自然の要素をどのようにデザインに取り入れていますか？

はい、すごく影響を受けていますね。私にとって最大のインスピレーションの源です。

北欧の職人技の伝統を踏まえ、伝統と革新のバランスをどのようにとっていますか？

私にとっては、トレンドの方が関係していると思う。でも流行を追うべきか、それとも自分の道を行くべきかと考えたら、たいていの場合、流行は気にしないし、伝統に従うことも重視していません。私はただ自分のやり方で作品を創るだけです。

特に誇りに思っているプロジェクトや、制作中にユニークな課題を突きつけられたプロジェクトについて教えてください。

これまでに二件の公共事業を手がけました。ひとつは病院からの依頼で、待合室の天井と壁に反復されるパターンを描きました。蝶と、蝶が生命の象徴としてどのように変化していくかをテーマにしました。この病院では、イエスかノーか、つまり生きるか死ぬかの状況にある患者さんが多かったのです。私は蝶がどのように円を描きながら移動し、いつしかその繰り返しをやめ、別の方向へと飛んでいくのか、つまり新たな旅に出るのか、というテーマに取り組みました。このコンセプトで創作することで、アートやデザインが、人生においてクリティカルな局面に立たされた人々のために何ができるのか、いろいろと考えさせられました。アートがどれほど重要か、ということですね。

コラボレーションはしばしばデザイン・プロセスの重要な部分です。プロジェクトで他のアーティストやデザイナーとコラボレートしたことがありますか？

私にとってコラボレーションとは、クライアント、そして彼らが持っているアイデアを踏まえて仕事をすることだと思っています。簡潔な課題をもらい、それをビジュアルに変換するわけですが、それがクライアントの求めていたものということもあれば、共通認識を得るために何度もやり直すこともあります。そういったコラボレーションはいつもとても刺激的です。私にとってはドローイングを通じたコミュニケーションであり、クライアントのビジョンを実現するために努力しています。私はコラボレーションが大好きです！

デザインにどのような画材やテクニックを好んで使いますか？

主にコピックマーカーを使っています！お気に入りはマルチライナーの各色。大好きなので、もっといろんな色があればいいのにと思っています。私のポートフォリオを見ると、コピックマルチライナーの配色を見ることができ、コバルトブルーが私の絶対的なナンバーワンであることがわかります。絵を描くときはコピックマーカーを使います。私にとっては、ガッシュや他のリキッドペイントを使うのとほとんど変わりありません。色を重ねたり、混ぜたり、サーフェスを構築したり。インクの透明度が高いので、ほぼ永遠に色を重ねることができますしね。終わりがないんです！

コピックマーカー（またはマルチライナーペンなどその他コピック製品）を使い始めたのはいつですか？また、使おうと思ったきっかけは何ですか？

コピックを使い始めたのは、パターンを専門に描き始めた2007年のことです。色の豊富さ、発色の良さ、適切な紙を使ったときのスムーズなタッチが気に入ったのです。多くのパターンデザイナーが伝統的にガッシュを使っていますが、私は何か違う画材を試してみたかったし、ペンで描くのも好きだったので、コピックが私の制作方法になりました。色のフィールドを使い、重ねることで奥行きを出していくのはとても楽しいです！色もたくさんありますしね！

お気に入りのコピック製品は何ですか？

それはもうコピックマルチライナーです！ペン先のサイズが選べるのがいいですね。彩色するときはコピックマーカーです。ニブを変えることで極細の線を描くことができますしね。エアブラシを使うのも楽しいし、コピックの多様多種なペン先とインクを使ってできることはたくさんありますから、コピックを探求するだけでも、私のアート人生のすべてを費やせそうな気がします！

デザインにおいて、色は重要な役割を果たします。デザインのカラーパレットはどのように選んでいますか？また、コピックでよく使うお気に入りの色や組み合わせはありますか？

YG45、コバルトグリーンにハマっています。いままで見た中でもっとも完璧なグリーンです。本当に多用していて、ほとんどすべてのデザインに使っています。クライアントと仕事をするときは、たいていパントーンのカラーパレットで色指定があるのですが、そこからコピックの色に変換します。時には、求めている色合いを得るためにインクを混ぜてカスタマイズしたりすることもあります。

あなたの作品の美しさとコピックマーカーの技術には目を見張るものがあります。コピックファンと共有できるユニークなヒントやコツはありますか？

コピックマルチライナーとコピックマーカーを組み合わせて使うといろいろなことができて、とても楽しいです。コピックの色はとてもバランスがいいと思っています。必要な色はほとんど揃っているし、ほしい色がなかったとしても重ね塗りしたり、空ペンでインクを混ぜてカスタムカラーを作ったりできますからね！

プロのデザイナーやイラストレーターを目指すコピックファンへのメッセージやアドバイスをいただけますか？

ペンを探求し、調べて、何ができるのか知りましょう。手直しすることやあきらめることを恐れないでください。うまくいかなかった作品でも、作品であることに変わりはありません。練習が鍵です！流れに身を任せて自分の限界に挑戦しましょう。スケッチではなく、ただ描くことです。あと、適切な紙を使いましょう。これはすごく重要なことなのです。

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スケッチの技術とデザインへのユニークなアプローチ：LIXILグローバルデザイン

LIXILの社内デザインチームであるLIXIL グローバルデザインは、創造性、協同による作業、そして文化的多様性を尊重し、多面的なスキルセットとデザインへのユニークなアプローチで最高の作品を生み出しており、550を超える国際的なデザイン賞を受賞しています。

今回は、所属デザイナーであるベギュム・トムルクさんと冨岡陽一郎さんにお話を伺いました。

ご自身とグローバルデザインチームについて、簡単にご紹介ください。

ベギュムさん：ベギュム・トムルックです。LIXIL Global Design EMENAでリードインダストリアルデザイナーをしています。イスタンブール生まれで、2015年からこのデザインチームの一員です。

LIXIL グローバルデザインでは、トレンドやインサイトを消費者の体験やLIXILブランドの価値に変換しています。アメリカンスタンダード、GROHE、INAXなどのグローバルなブランドポートフォリオで、日々数億人以上に使われている商品を通じて、比類のない体験を提供しています。社内デザインチームである私たちは会社の「クリエイティブな腕」であり、すべての弊社ブランドにおいて消費者の声を代弁しています。

冨岡さん：LIXILグローバルデザインでクリエイティブデザインディレクターをしている冨岡洋一郎です（みんなはトミと呼んでいます）。プロダクトデザインからブランドのグラフィック、UIデザイン、空間デザイン、展示会やショールームデザインなど、様々なクリエイティブディレクションを担当しています。 

LIXILグローバルデザインでは、常にチームで仕事をしています。我々はクリエイティビティ、コラボレーション、多様性を尊重し、さまざまな分野を横断して活動しています。東京、シンガポール、ニューヨーク、ロンドン、デュッセルドルフなど、世界で最もコスモポリタンで文化的に多様な都市に拠点を置くこのチームは、社内の多様なスキルセットを基に、新しい刺激的なデザインを創造しています。

あなたのチームは、革新的なデザインと優れた機能性を備えた世界的なベストセラー製品を生み出し、550を超えるグローバルデザイン賞を受賞しています。これらの優れた製品がどのように開発されたのか、また、プロダクトデザインにおいて重要なことは何なのか、お聞かせいただけますか？

ベギュムさん：私たちはデザイナーとして、新しい製品を世に送り出すという大きな責任を負っています。新しい製品をデザインする際には、トレンドや消費者のニーズ、そして生活の中でのユーザー体験に目を向けます。世の中は目まぐるしく変化していますから、製品は最新のトレンドから重要なメッセージを伝える必要があります。そのためには、製品の存在に「正当な理由」があり、ユーザーに真の利益をもたらすものでなければなりません。例えば、製品の寿命やサステナビリティなどは、新しい製品をデザインする際には常に重要な意味を持ちます。

冨岡さん：私たちの最終的なゴールは、世界中のすべての人に、より良い住まいを実現してもらうことです。目標達成のためには、消費者を深くリサーチし、理解することが必要です。そのため、すべてのデザインプロセスは、消費者中心の思考と、私たちがプレサーチと呼ぶ独自のアプローチから始まります。私たちのチームには、ユーザーアンケートを通じて消費者のインサイトを見出して、製品価値を設定するリサーチチームが含まれています。デザイナーは、アイデア出しや企画立案の全プロセスに携わります。仮説が可視化された時点で、スケッチやデザインの作成に取りかかります。

では、コピックはどのようにデザインの現場で使われているのでしょうか？

ベギュムさん：LIXILグローバルデザインにおいて、スケッチは重要なスキルです。デザインの過程ではアナログでもデジタルでもスケッチを描くのですが、これら2種類のスケッチを「アイデアスケッチ」と「プレゼンテーションスケッチ」に区別しています。どちらにも存在意義があるわけですが、その用途が異なるので比較することはできません。

まず1つ目のテクニックとして、アイデアスケッチについてお話します。デザイナーなら、誰でもデザインする過程でアイデアスケッチを描くと思います。CADでの3Dコンセプト構築前の、事前検討のために手早く描かれるスケッチ、というケースがほとんどでしょう。私の場合、アイデア出しは紙の上から始まります。愛すべきアイデアもあれば、ゴミ箱行きになるアイデアもありますけどね。
アイデアが浮かんだら、コピックのクールグレーを使い、軽いペンストロークで微妙な陰影をつけていきます。最初のレイヤーでは、コピックワイドマーカーを自由に使っていきます。あくまでごく初期段階のアイデアスケッチなので、過剰に描き込む必要はなく、シンプルに3D的な外観と素材のディテールを表現することに集中することにしています。

2つ目のプレゼンテーションスケッチでは、ハイクオリティなデザイン画を作成して完璧に近づけるのですが、アイデアスケッチよりはるかに精密で詳細な作業が求められ、通常かなりの時間を要します。こちらは主にデザインアイデアやストーリーを社内外に紹介するために使用されます。
最新のGROHEデザインスケッチでは、コピックワイドマーカーのストロークと、コピックAir Brushing Systemによるエアブラシのディテールを盛り込みました。ワイドマーカーは、デザインスケッチのベースとして使用すると、独特なレイヤーの深みを与えてくれます。この方法だと、なかなか真似できないような思いがけない結果を生み出すので、とても気に入っています。こういった細かいテクニックをテクスチャーのある背景と一緒に使うことで、立体感のあるルックを与えてくれるのです。

冨岡さん：そうですね、コピックの製品は本当にいろいろな用途で使っています。例えば、ワークショップでスケッチするときにも、コピックがあればブランドカラーのINAXブルーやLIXILオレンジをさっとアクセントとして加えることができます。また、リアルタイムで複数の人と何か共有したいときも、すぐに彩色できるよう、常にコピックマーカーをそばに置いています。

コピックマーカーを使い始めたのはいつでしょうか。また特にコピックを選んだ理由は何ですか？

ベギュムさん：私も大学1年生のときに使いはじめました。インダストリアルデザインについて学んだ最初の数年間は、アナログでのスケッチと視覚化が必須だったのです。可能な限り最高のツールで自分のスキルを伸ばしたいと思い、ブランドと製品の品質を信頼していたコピックを選びました。

冨岡さん：大学1年のとき、初めてレンダリングの授業を受講したのですが、コピックは指定画材だったのです。それ以来、スケッチやレンダリングにずっとコピックを使い続けています。

昨今、インダストリアルデザインにおいてデジタルツールやソフトウェアがよく使われていますが、コピックなどの伝統的な画材は、いまデザインのプロセスでどのように使われているのでしょうか？

ベギュムさん：私たちは、デザインプロセスが変化していることを認識しています。かつては、アナログなスケッチだけが、アイデアを視覚化する唯一の方法でした。しかし現在では、デザイナーは自分の思考を視覚的に説明するためにさまざまなツールを利用できるようになりました。デザインプロセスを容易にし、スピードアップさせることを目標として、新しい技術やソフトウェアが開発されています。しかしアナログスケッチはイメージをすばやく具現化し、発展させ、アイデアを伝えることができるので、今でも非常に重要な役割を担っていると思います。

冨岡さん：特にワークショップなどリアルタイムでのコミュニケーションで、複数のイメージを数人で同時に作成する場合ですね。シンプルに、とても実用的で便利です。

プロダクトデザイナーやインダストリアルデザイナーを目指す人たちにメッセージをお願いします。

ベギュムさん：私たちデザイナーにとって、消費者を中心とした思考と、目的を定めたアプローチからすべては始まるのです。私たちは長年にわたって変化してきたデザインプロセスを追いかけています。しかし、コピックで手早く描かれた初期段階のスケッチを同僚たちやチームと共有するアイデア出しの部分は、デザインプロセスの中で最も効果的かつ影響力のある部分として残りつづけています。

スケッチできる、というスキルセットは、あなたのキャリアを別のレベルに引き上げることができます。 それと、スケッチが伝える感情的な側面も忘れてはなりません。スケッチは、必ずしも合理的なものではないのです。実のところ、感情的で、芸術的で、クールで、活気に満ちたもので、私たちはそれを見て純粋に楽しんでいるんですよ。

冨岡さん：どの製品も、その背景にあるストーリーや目的がきちんとあった上でデザインされるべきです。誰が、どこで、どのような目的で使うのかを考えることが大切なのです。そのためには、実際に製品が使われる現場に出向いて、顧客の行動を観察し、インタビューを行うなど、リサーチすることが重要です。その上でストーリーを展開して、走り書きやスケッチからデザインを始めることができるのです。

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Vexx（本名・ヴィンス・オカーマン）は、ベルギー出身のマルチアーティストで、カラフルでユニークな「Doodle（落書き）」スタイルで世界的に知られており、YouTubeでのチャンネル登録者数、SNSでのフォロワー数は合わせて350万人を超える。GUCCI、PORSCHE、PUMA、Amazonなど多くの著名なブランドともパートナーシップを結んでいる。

Website/Instagram/YouTube

インタビューをお引き受けいただきありがとうございます。まずはVexxさんの自己紹介をお願いします。

いま（2022年取材時）24歳で、ベルギー出身です。16歳になったときにアーティストになるという目標に向かってより真剣にアートに取り組むようになり、Instagramで新しい絵を毎日投稿し始めたら、すぐにフォロワーが数千人に増えました。その過程でカラフルな Doodle（落書き）スタイルを発見したんですが、すごく反応がよかったんです。その後YouTubeで作品制作の様子を公開してからは、一気にキャリアが広がりました。
最近では美術館での展示や、限定版の高品質プリントの販売、ペインティング、NFT、トイアート・スカルプチャーなど、本格的なアートの世界にも足を踏み入れたところです。いまはブリュッセルに自分のアートスタジオを持っています。

16歳の時から活動し始めたとのことですが、アーティストを目指したきっかけは何だったのでしょうか。

子どものころからずっと絵を描いていて、かなり上手かったんですよ（後になって気づいたんですけどね）。14、15歳のとき漫画を描くことに興味を持ち始めて、入門書を読んだりしてました。あと、美術史にも突然興味が出てきたんです。そのころにはアーティストになりたいと思ってたんじゃないかな。親は絵を描いて食べていくなんて無理だと思ってましたけどね。でもKAWSやMusketon（どちらもベルギーのアーティスト）といったアーティストが、夢を実現させるきっかけになったんです。

コピックを使い始めたのはいつですか？またコピックを選んだ理由は何だったのでしょう？

コピックを使い始めたのは、16歳でInstagramのアカウントを作ったときです。僕の知っているプロはみんなコピックを使っているという印象があって、彼らの作品があり得ないぐらい素晴らしいんです！彼らとまったく同じツールを持っているなら、彼らと同レベルの作品を作れないなんて言い訳はできないよね、という思考プロセスに至ったんです。ツールが同じなら、そこにあるのは画力の差だけですからね。プロと同じ道具を持ってるのに自分の作品が彼らより劣るなら、もっと時間をかけて自分のテクニックを向上させるしかない、ってことですからね！

初めてコピックのセットを手に入れたのは誕生日プレゼントとして貰ったときだったんですが、超ラッキーでした！最初はコピックチャオの36色セットでした。本当に欲しかったものだったので、すごく嬉しかったです。いまでもコピックは使っていますし、全色持ってます。

好きなコピックの種類（例・スケッチ、チャオ、クラシック、ワイド、もしくはコピックインク）はなんですか？また、定期的に使っている特定の色はありますか？

いちばん気に入ってるのはもちろんコピックスケッチです！スーパーブラシニブの使い心地がとにかく素晴らしくて、とても満足しています。僕はかなりいろんな色を使ってると思いますが、グリーン系の色は全体的に使わないままになってるかな（笑）。たいていはピンクや黄色がすぐになくなっちゃうんですよね。蛍光色（Fシリーズ）も愛用していますよ！

Vexxさんの作品では、楽しくてカラフルなDoodleスタイルと、リアリスティックな画風が融合していますよね。どのようにして独自のスタイルを確立されたのでしょうか。

実は、色を使うのは全然好きじゃなかったので、最初はモノクロで描いていたんです。でもその時には、ちっちゃなキャラクターをいっぱい組み合わせて、ひとつの大きなイメージを作るというDoodleスタイルのアイデアがとても気に入ったんです。すぐにフォロワーのみんなも気に入ってくれたので、このアイデアを追求し続けました。数ヶ月たって、初めてコピックを手に入れたのをきっかけに、色を使うようになりました。

創作過程で一番好きなことはなんですか？

今ではやっぱり色を塗る過程が一番好きです。配色を決めることからスタートするんですが、まずメインになる色を5〜10色選びます。それからまだ色を塗っていない段階で作品を印刷して、どこにどの色を使うのか、隣の色との相性はどうかなどを判断していきます。同じ色が隣り合ったりすることがないようにね。

コピックを使う上でおすすめのコツやテクニックなどはありますか？

そもそもルールなんてないってことを忘れないでほしいですね。 どんな画材でも、自分にしっくりくるなら使えばいいと思います。世の中にはたくさんのチュートリアルがありますけど、画一的な方法が多すぎると思います。アートにルールはないんです。世界で最も重要なアーティストたちは、そのことを理解している人たちだと思います。そして一番大切なことは、楽しみながら創作を続けていくことです！

最近はGucciとコラボしていたことが話題になりましたが、世界的に有名なブランドのイメージと、自分のスタイルはどのように結びつけていったのでしょうか？

Gucciのブランドロゴなどのアーカイブを渡されて、「好きなように作品を作っていい」といういわばおまかせ状態でのオーダーだったのですが、「Gucciの未来を表現するような作品を」という注文がありました。その作品はGucci Vaultで1/1 NFTとして販売されています。
僕は自分の作品をあまり子どもっぽくしないで、もっとラグジュアリーな雰囲気に持っていくようにしています。実際すごくカラフルで、子どもみたいなアートではあるんですけど、僕のスタイルのアートでこの分野を探求したり、Gucciのアートワークを作るのはすごく楽しい経験でした。

NFT市場にも参入されていますが、ブロックチェーンや暗号通貨の技術を使ってデジタルアートを販売できることは、アーティストにとってどのような意味を持つと思われますか？

アーティストにとっては新たなルネッサンスだと思いますね！これまで多くのデジタルアーティストが自分の作品を適切な方法で販売することができなかったわけですから。ブロックチェーン技術によってようやくそれが可能になったわけですが、新しいアートのムーブメントにこれほど興奮したことはないです！そのムーブメントに参加できてることをとても誇りに思っていますし、自分自身で道を切り開いていって今までにない新しいものを発見しているところです。僕の「MOON」NFTはいまアムステルダムのMOCOミュージアムで中心的な存在になっています。バンクシー、KAWS、村上隆、ハースト、バスキア、キース・ヘリングなんかも展示してるんですよ。

NFTが次の大きな流れになるのは間違いないと思ってますし、日々進化していくのを見るのはすごくエキサイティングなことですよね。

最近の作品では、デジタルアニメーションにも挑戦されていますね。しかし、彩色にはいまでもコピックを使っていると聞きました。デジタルアートにも、コピックのようなアナログの画材を使い続けていただいている理由があれば教えてください。

僕は、コピックが作品に与えてくれる伝統的なタッチが好きなんです。実は、コピックのタッチ（塗ったときの粒状感、色をブレンドしたときの混ざり具合など）を再現したデジタルブラシを作ったので、デジタルでもこの手作業感を維持することができるようにもしています。

10月に2冊目のぬり絵本を出版されるそうですね。この本について教えていただけますか？

最初のぬり絵本がすごく売れたんですよ。発売から2年間で20万冊以上売れたんですけど、びっくりですよね。正直なところ、色塗りって過小評価していたところがあるんですが、いまは最高のぬり絵を作ることに注力しています。その成果は、2022年10月4日に発売される2冊目の本「Mythotopia」でご覧いただけます。「Mythotopia」は、神話や伝説上の生物を僕のスタイルで描いてるんですが、古典的なものだけじゃなくて、もちろんVexxオリジナルのドラゴンも含みます。この本の出来にはとても満足していますので、ぜひ見てみてください！

「Mythotopia」の詳細はこちらでご覧いただけます。

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Grangel Studio（グランゲル・スタジオ）
長編アニメーション映画のコンセプトアートやキャラクターデザインを手がける世界的デザイナーのCarlos Grangel、Jordi Grangelが立ち上げた、スペインのバルセロナに拠点を置くデザインスタジオ。 『マダガスカル』『カンフー・パンダ』『コープス・ブライド』『ヒックとドラゴン』など多くの人気作品に参加している。

Instagram / Website / YouTube

インタビューをお受けいただきありがとうございます。Grangel Studioについて、簡単に紹介をお願いいたします。

Grangel Studioは、私たち兄弟で行っているデザインスタジオです。兄のカルロスと弟のジョルディ・グランジェの二人で1985年にバルセロナにスタジオを設立してから、ハイクオリティなアニメ映画のプリプロダクション（映画などの撮影に入る前に行う準備作業全体のこと）のためのコンセプトアートに携わってきました。

設立して最初の5年間はイラストやコミックの制作や広告用のレンダリング制作をしていましたが、1990年以降はアニメに注力するようになり、現在までに25本以上の長編映画に携わりました。これまで携わった作品には『バルト』『プリンス・オブ・エジプト』『エル・ドラド 黄金の都』『スピリット』『シンドバッド 7つの海の伝説』『マダガスカル』『カンフー・パンダ』『コープス・ブライド』『ヒックとドラゴン』『ホテル・トランシルバニア』『ロン 僕のポンコツ・ボット』などが挙げられます。その他の作品を含む完全版のリストにご興味のある方は、ぜひwww.grangelstudio.com をチェックしてくださいね。

世界中の人に愛されるキャラクターを次々生み出されていますが、Grangelさんがイラストを描き始めてから大切にされていることはありますか？

イラストやキャラクターを描きたいという情熱と意欲は常にあります。漫画やアニメが好きだったので、美術技法だけでなくアニメーションの技術も勉強して、その後で自分たちのやり方を確立していきました。

私たちが大切にしている3つのエッセンスがあって、それは情熱、想像力、そして規律です。Grangel Studioは、いわばスタイル、様式の研究所です。作品に最適なルックと、ストーリーに最も適したキャラクターを作りたいと考えています。

制作をするうえで、インスピレーションを受けている人やモノはなんですか？

主に古今東西のアートや、自然からインスピレーションを得ていますね。自然は常に私たちのインスピレーションの源です。自然や動物が登場する長編アニメを数多く手がけましたが、自然を観察することは抱えている問題を解決しますし、洗練されてスタイリッシュなキャラやデザインを生み出す上で重要な鍵になりました。

いま現在取り組んでいる新しいプロジェクトはありますか？

現在、ストップモーション、伝統的な2Dアニメ、そして3DのCGIと、3種類の長編作品でキャラクターデザインに取り組んでいます。あと、今年ギレルモ・デル・トロ監督の『ピノキオ』が上映されるんですが、共同でピノキオとゼペットじいさんのキャラクターデザインを担当しました。

それ以外にも、個人的なプロジェクトがいくつかありますが、現在のプロダクションに比べると、かなりゆっくりしたペースで進めています。

また、イタリアとスペインで作品の展覧会をいくつか計画しています。いつか、大好きな日本で展覧会を開催できればと思っています！

コピックに特別にご提供いただいたキャラクター「Mudskippers（マッドスキッパーズ）」についてお聞かせください。このキャラクターはどのように誕生したのでしょうか？

フレンドリーな生き物の家族のキャラクターシリーズを作りたい、と思っていたんです。そのアイデアがMudskippersに発展したのは、グラフィックとビジュアルの面で、コピックのカラーチャートを最大限に活用できそうな可能性があったからです。各キャラにはメインとなる色が設定されていて、それぞれの色が各キャラクターごとの個性を表現しています。メイン色以外にも違う色調のバージョンがあって、コピックのチャートから1キャラあたり平均4～6色は使っていることになりますね。
Mudskippers関連のデザインはすべてコピックに寄贈させていただきました。世界中のアーティストにインスピレーションを与えるために、私たちのキャラクターを活用していただければと思います！

素敵なキャラクターたちを寄贈していただけて光栄です！コピックを長く愛用してくださっていますが、コピックを使い始めたのはいつからですか？

私たちのスタジオでコピックを使い始めたのはずいぶん前、記憶が正しければ1993年ごろです。
監督やプロデューサーも、その繊細で美しい色彩と、豊富なカラーバリエーションが使いやすいと気に入ってくれました。また、コピックの色が増えていったことで、それぞれのキャラクターに適した色選びの可能性が広がりました。例えば、コピックは人間の肌色を表現するのにとても適しています。私たちにとっては、これがコピックが他のどのブランドよりも優れていると思うポイントで、キャラクターの彩色にとても役立っています。また、グリーン、イエロー、ブルー、ブラウンなどの色も豊富に揃っていて、背景のデザインに役立っています。

コピックは高品質の製品を作っていますが、私たちもそういう姿勢で仕事していきたいと思っているので、私たちにとって完璧な組み合わせですね。

色の幅の豊富さをお褒めいただきありがとうございます。もし、特にお気に入りのコピックの色があれば教えてください。

好きな色はたくさんあります。いくつか挙げるのは難しいのですが、グレー系で色調を決めたり陰影をつけていくときは、クールグレーとウォームグレーを好んで使っています。また、キャラクターの白目の部分にボリュームを持たせるときにナチュラルグレーのN-1を愛用しています。

他には、E18 Copper、E29 Burnt Umber、E81 Ivory、YG11 Mignonette、R00 Pinkish White、YR01 Peach Puff、B97 Night Blue、B99 Agate、G99 Olive、RV000 Pale Purpleなどがお気に入りです。

コピックで作画するときのポイントやテクニックがあれば、ぜひ教えてください。

もちろん！いくつかありますが、まず薄い色から始めて、その上から濃い色を重ねていくのが基本のコツですね。キャラクター一人あたりで平均4〜7色の色を使用しますが、肌の色はh異なる4色で4回ほど重ね塗りすることでボリューム感を出し、キャラクターをより生き生きとさせます。キャラの服も同様に、1着につき4～7色を使って着色しています。
キャラクターの陰影を描くときはグレーを使うことが多いです。クールグレーのC-2や、ウォームグレーのW-2がすごくちょうどいいんです。

彩色する範囲が大きい場合は、コピックインクを使用します。背景に空が広がっているときや、ジャングルのように緑の部分が多いときは、インクをスポンジにつけて使ったり、コピックワイドを使います。空の種類によって、3～4種類のブルーを使い分けていますよ。

スケッチするときは、コピックマルチライナーを愛用しています。キャラクターの輪郭を描くのに最適なんです。目の黒い部分（瞳孔）には、マルチライナーのブラックで線幅が0.03mm、0.2mm、0.5mmのものを使っています。

とても熱い回答をありがとうございます！Grangel Studioのこれからの展望や目標についてお聞かせください。

私たちは本当に仕事を楽しんでいます。世界中の異なる文化圏の新しいアーティストと仕事するのも楽しみだし、より多くの経験を積んで、Mudskippersのようなオリジナルな作品を生み出していきたいですね。また、私たちが得た経験や遺産を、熱心な新しい世代に教え、引継いでいければいいなと思っています。

この記事を読んでくださっている方に、伝えたいメッセージやアドバイスなどあれば一言お願いします。

クリエイティブになろう！自分の手を使って、必要なら指を汚すことも厭わないで。情熱を持ち続けて、楽しみましょう！

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Francesco Lo Iacono（フランチェスコ・ロ・ラコーノ）

イタリア出身のイラストレーター。パレルモから英ロンドンに渡ったのち、現在はフランスを拠点に活動。普段は主に自宅スタジオで作業を行っており、ファッションウィークのショーでは、ライブドローイングで卓越したイラストテクニックを披露している。ファッションデザイナー、ファッション誌、高級デパートなどの幅広いクライアントと仕事をするかたわら、2021年には初の著書「Watercolor Fashion Illustration」（David & Charles社）を出版。コピックと水彩を見事に融合させて、素晴らしい作品を生み出し続けている。
website: Lipstick Of London

フランチェスコさんの経歴について教えてください。
生まれ育ったのはイタリアで、イタリアの美術学校を卒業し、卒業後はパリにしばらく住んでいました。パリではトレンド予測の仕事をしてたんですが、ファッションイラストに興味を持ち始めて、これをフルタイムの仕事にしようと決め、現在の仕事に繋がっています。

ファッションイラストは、自分が興味あることすべてを
探求するための完璧かつ自然なプラットフォーム

絵を描くことにはじめて興味を持ったのはいつからですか？
多くのクリエイターの方もそうだと思うんですけど、私も物心ついたときから絵を描いてましたね。子どものころは教科書の余白を落書きで埋め尽くしていました。10代になって美術学校に通うことにしたんですが、やっぱりその間に絵を描くことに対するモチベーションがより大きくなものに変わったんだと思います。

いまはファッションイラストレーターとしてほかのクリエイターやアートディレクターのチームと一緒にプロジェクトにチャレンジするのを楽しんでいますし、クライアントの抱いているビジョンやニーズを満たすことに達成感を得ています。

なぜファッションイラストを描くことを選んだのでしょうか？この世界に飛び込んだきっかけを教えてください。
ファッションに興味を持ったのはけっこう遅かったんですよ。ファッションに興味を持ち始めたのは最終学年の終わりごろになってからで、それも写真を通じてのことでした。雑誌に載っているファッション特集がまるで夢みたいですごく好きで、それが大きなインスピレーションになっていますね。そのことがファッションイラストの道に進もうとしていた私の背中を押してくれた、って言えるかもしれません。ファッションイラストは、私が興味あることすべてを探求するための、完璧かつ自然なプラットフォームだったわけです。それはいまでも変わってないですね。

私がコピックからインスピレーションを受けているように、
私のイラストから誰かがインスピレーションを得てくれたらうれしい

テクニックはどうやって習得してきましたか？
とにかく練習すること、絵を描くことが重要ですね。私のスタイル自体はずっと一貫してるんですが、ちょっとずつ進化もしています。過去に描いたイラストを見ると自分の成長を実感できますし、これからどうなっていくのか楽しみでもありますね。

コピックと水彩絵の具をうまく併用されていますよね。どのように組み合わせて使われているのでしょうか？
愛用しているのはコピックチャオです。コピックチャオは全180色で色が豊富だし、とても繊細に描けるので、私の作品にはぴったりだと思います。そして水彩と完璧に組み合わせて使うことができます。基本的には、まず水彩で最初のレイヤーを作ります。水彩が乾いたらコピックチャオでアクセントをつけたり、ディテールを加えたりします。イベントやファッションショーなどライブで描くときには、コピックが活躍します。水彩は乾くのを待たないといけないですが、ライブの場合はもちろん時間が限られていますから。
コピックを使うことで、イラストの細部の表現が格段に良くなったと思います。レイヤーを重ねることで、より洗練された仕上がりになるようコントロールできるようになりました。

コピックを使い始めたのはいつからですか？コピックを選んだ理由や、はじめて使ったときの第一印象もお聞かせください。
水彩のみしか使っていなかったので、自分のスタイルを進化させたいと思ったころに使い始めました。
使ったことのない画材を取り入れることは、常に創作活動を後押ししてくれて、新しい刺激的な方向へと導いてくれます。私が最初に驚いたのは、コピックチャオのスーパーブラシニブの特徴的な柔らかさでした。水彩ともうまく調和して、同じような結果をすばやく得ることができます。前述したように、ライブで描くときにはコピックをよく使います。

初の著書が出版されたとのことですが、制作のお聞かせください。
2022年に、「Watercolor Fashion Illustration」を出版しました。この本は、水彩画でファッションや人物を描くためのガイドブックで、私が実践していることや仕事のやり方を、率直に、最も実用的な方法でまとめています。私からのアドバイスや役立つヒントをたくさん公開しています。制作には何か月もかかったんですが、ファッションイラストに関する本当の意味で最も有益な本にしようと、ベストを尽くしました。

ファッションの世界にもアプローチして、プロならではアイデアや具体的なアドバイスを提供する、とても多機能な本だと思います。私が使っている画材の紹介や、人体、とりわけ顔とそのパーツにフォーカスした画法や、ファブリックやプリントされた柄をどう表現するか解説している章もあります。

最後に、世界中のコピックユーザーに向けてメッセージをお願いします。
コピックには素晴らしいファンコミュニティがあり、このインタビューを通じて私の作品を皆さんに知っていただけることが何よりうれしいです。日々私がコピックからインスピレーションを受けているように、私のイラストから誰かがインスピレーションを得てくれたらうれしいですね！

投稿 Francesco Lo Iacono は コピック公式サイト に最初に表示されました。

Eris Tran

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エリス・トランはベトナムを拠点とするフリーのファッションイラストレーターで、インスタグラムでは23万ものフォロワー数を集めています。彼の作品では、スケッチの高い技術、アーティスティックな発想、多彩で豊かな色使い、リアルにレンダリングされた素材の質感、計算された重ね塗りなど、コンセプチュアルなイラストを創作するための幅広い能力が見事に発揮されています。エリスの作品は、Elle、L'Officiel、Basic Magazine、Harper's Bazaar、Wow VietNam、Alchemist Magazineなどのメディアで取り上げられ、注目を集めています。また、Dior、Versace、Burberry、BVLGARI、Alberta Ferretti、Ralph & Russo、Iris Van Herpenなどの一流ファッション企業とイラストでのコラボレーションを行っています。

あなたの経歴やキャリアについて、少し教えてください。
学校ではマーケティングを専攻していました。講義以外では絵を描くことに時間を多くの費やし、特にファッションドローイングを熱心に描いていました。その後、これこそが真に情熱を燃やせる仕事だと気付き、生涯のキャリアとしてこの道を歩むことを決意しました。もう7年以上この分野に携わっています。

もともとはマーケティングの勉強をしていたのですね。
そうなんです。私は大学でマーケティングを4年間学び、卒業しました。しかし、在学中も卒業後も絵を描き続け、ファッションやイラストの分野でキャリアを積んできました。ファッションの学校に通ったことはなかったので、インターネットで世界中のイラストレーターから絵を学びました。
2年生になってからは、学ぶだけではなく、リサーチにも時間を割くようになりました。そして、どうすればもっとうまく描けるかを真剣に考えたのです。それが私の転機となりました。

マーケティングからファッションイラストへとキャリアを変えたとのことですが、なぜ、ファッションの分野に惹かれたのでしょうか？
大学でマーケティングを学ぶ過程で、ファッションについて調べていたのですが、有名ブランドごとにデザインやディテールが異なることにとても興味を持ち、好奇心を掻き立てられました。また、弟の結婚が決まったときには、義理の妹に着せるドレスを選ぶために、いろいろなお店を調べました。それはとても刺激的なことでした。ウエディングドレスに使われている素材、特にシルクを気に入ったのです。おそらくそれが、私がファッションイラストを描くようになったきっかけだと思います。

インスタグラムを拝見すると、ディオール、ヴェルサーチ、バーバリーなど、有名ブランドとお仕事をされていますね。ファッションイラストで経験を積むとなると10年、20年かかると思っていましたが、あなたがわずか7年でここまで有名になったのは驚きです。どうやって多くの機会を得ることができたのでしょうか？
ベトナム人にとってファッションイラストはとても新しいものなのです。ベトナムはファッションイラストの分野ではまだ発展途上の市場です。幸いなことに、私はこの分野を知って、研究とトレーニングを重ねて、絵の技術を向上させることができました。
世界中の有名ブランドがベトナムにやってきたのもそのためで、彼らはトップのファッションイラストレーターを探していたのです。私は彼らにポートフォリオを送りました。ベトナムにもファッションイラストレーターは何人かいるのですが、幸いなことに、担当者がパリなどのヨーロッパの本社にポートフォリオを送ったところ、私をベトナムのファッションイラストレーターの中でもトップレベルだと評価してくれました。それから、イベントに招待されるようになり、多くのマーケティングイベントをサポートしました。その当時、唯一認められたベトナム人のファッションイラストレーターになれたわけですから、とても嬉しかったです。ファッションデザインやファッションイラストを学ぶ私の生徒たちにとってもそれは同様だったでしょう。

学校でファッションデザインを教え始めたのはいつですか？ベトナムに自分の学校を持っているのですか？
自分の学校を運営しているわけではなく、ファッション系の専門学校で教えています。それ以外にも、パーソナルトレーニングのような形で外部の生徒にオフラインやオンラインの両方で教えています。

多くの学校で教えているのですか、それとも1つの学校だけですか？
3年前からファッション専門学校でデッサンを教えています。今もその学校で教えています。私が教鞭をとっている学校は一つだけです。

教えることになったきっかけは何ですか？
一人で長い時間をかけて調査し、研究し、描いていたので、もう本当に燃え尽きたと感じてしまったのです。そこで、学生に教えることにしました。というのも、長い間現場で自分の視点だけで研究を続けることに無理が生じてきたからです。つい主観的な見方に偏ってしまうこともありました。
しかし学生に教えることで、つまりいろんな人たちとコミュニケーションをとって交流することで、彼らが異なる視点を持っているのを実感できました。これによって参考にできるさまざまな情報源があるのを再認識できましたし、インスピレーションを得ることもできました。

教えていたときの印象的なエピソードはありますか？
私にとって、教員生活で最も思い出深いのは、教育実習を行ったときです。学校での実習を終えたとき、生徒たちから大きなプレゼントをもらいました。地元の果物やベトナムの魚醤など、私にとってとても特別なものをくれたのです。彼らの愛と配慮を感じました。受け取ったプレゼントの一つ一つに、人間の思いやりと共有を感じました。だからこそ、私は教えることを楽しんでいるのです。

様々な世界的に有名なブランドからErisさんにオファーがあったわけですが、ご自身の強みはどういうところだと思われますか？
実のところ、それは非常に難しい質問です。なぜなら、それはブランドが決定することであり、選んだ理由を彼らが教えてくれることはないからです。私の場合、ファッションイラストレーターとして、できる限りすべてのドローイングやスケッチに多くの努力と情熱を注いでいるつもりです。そのため、ドレスの素材や生地、細部に至るまでこだわります。それがブランドの要求にマッチし、課題を解決することができるのだと思います。そのおかげで、ブランドの方々の目にとまることができました。もしこの質問に答えるとしたら、私の仕事がブランドの要求にマッチしていたからだと思います。

はじめてコピックを使ったときの感想をお聞かせください。
コピックマーカーを使い始めたのは、大学3年生の時でした。まず、市場にどのようなマーカーがあるのかを知りたいと思いました。当時、コピックの存在を全く知らず、ファッションデザインの現場で使われている有名なマーカーをインスタグラムで調べてみました。すると、数あるブランドの中からコピックが多く使われていることに気づきました。当時、ベトナムにはコピックを販売しているお店が1つしかなく、色の種類も限られていたので、あまり使われていませんでした。そのため、コピックと他のブランドのマーカーを併用しなければなりませんでしたが、比較すると、コピックの色合いがとても生き生きとしていて、とても鮮やかで、本物の素材感があるなど、他のブランドとの違いを感じることができました。ドレスを描くと、ただの紙とインクではなく、まるで本物の銀のように感じられました。またコピックのパステル調の色合いもとても気に入りました。しかし、当時大学3年生だったので、コピック全色をコレクションするような余裕はなく、コピックを他ブランドのマーカーと一緒に使っていました。

コピックと他のブランドとの一番の違いは何ですか？また今ベトナムでコピックは買えるようになったのでしょうか？
コピックが他のマーカーブランドより優れている点が2つあります。第一に、マーカーの形状がとても扱いやすいことがあります。コピックを使って、絵を描いたり、スケッチをしたりすると、とてもスムーズにマーカーを動かすことができます。コピックを使っていると「気持ちいい」という感覚を得られるのです。
2つ目のポイントは、スーパーブラシのペン先です。これは本当に柔らかくて、スケッチもスムーズにできます。
今では2～3のショップがコピック製品を販売しています。色数も増え、コレクションも充実しています。しかし、私たちの期待に反して、まだまだコピックの数は少ないのが現状です。ファッションイラストでは、アーティストはさまざまな色調を使用しなければなりませんが、まだまだ不足しています。海外から直接買えるようになればいいのですが…。もちろん、以前よりもコピックを手にする機会は格段に増えています。今後、コピックをより購入しやすくなることを期待しています。

なぜ、メインの画材としてコピックマーカーを選んだのですか？
実は水彩も使っています。しかし水彩の場合、最初にたくさんのものを準備し、水を使い、混色する必要があり、時間がかかります。一方、マーカーはいつでも使用できるので、ずっと便利です。
第二に、水彩をどこにでも持ち込むわけにはいきません。 たとえば、特別な要望がない限りイベントに水彩絵の具を持参することはしません。コピックマーカーの場合は準備に時間もかからないし、インクが乾くのも早いので理想的な画材です。

一番好きなコピックの色は何ですか？
特に好きな色合いは2つあります。ブルー系の色合いと、パステル系の色合いです。というのも、ファッションイラストを描くときには、非常に透明度の高いシルクから肌が透けて見えるようなシースルー効果を出す必要があるのです。通常の場合は、同様の効果を出すために多くの色を選択する必要がありますが、コピックのパステル系の色を使用することにより、素早く簡単にこのような表現をすることができます。

デジタルで作品を作ることもあるのでしょうか？
iPadとデジタルペンを使ってデジタルで描くこともあります。でも、本物のファッションイラストレーターになるために、そして自分の感情やインスピレーションを最大限に引き出すために、コピックマーカーを使い続けています。

最後に世界中のコピックファンへのメッセージをお願いいたします。
みなさん、こんにちは。エリスです。コピックが大好きで、ファッションイラストの仕事でよく使っています。 コピックの品質は私たちに多くのことをもたらしてくれます。人々がコピック製品を楽しんで使い続けてくれることを願っています。 またこのパンデミックでも、誰もが安全に、健康でいてほしいと思います。

投稿 Eris Tran は コピック公式サイト に最初に表示されました。

Clau Cicala（クラウ シカーラ）
ブラジル、サンパウロ生まれ。大学で広告とマーケティングを専攻し、大学院でプリントデザインを学んだことをきっかけに、彼女ならではのユニークなスタイルを活かしてパタンナー、ファッションデザイナーとしてキャリアを積む。
現在はブラジル国内外の学生などを対象に、クリエイターが起業し活躍していくためのノウハウなどを指導し、クリエイターを起業家にすることを目指し精力的に活動している。
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ーこれまでの経歴を教えてください
14歳の時に、叔父から地元の雑誌の仕事を手伝うように頼まれて、誌面のデザインや広告のレイアウトなどを担当するようになりました。4年間働いたのですが、これがデザインの仕事に関わるようになったきっかけです。その後、ソニー株式会社でグラフィックデザイナーとしてパッケージやフォルダーなどを制作する業務を担当し、その後は出版社で美容雑誌のデザイナーとして働きました。

ーパターンデザイナーとしてはいつから活動されているのですか？
結婚したタイミングでリオデジャネイロという素晴らしい街に引っ越した時、偶然パターンデザインの世界と出会いました。それにすごく興味を惹かれ、プリントデザインを学べる大学院へ進んだんです。課程を修了してからは、これまでのキャリアも活かしてクリエイティブスタジオを立ち上げることにしました。
スタジオでは、FARM、Blue Man、C＆A、Karsten、Grendhaなど多くのブランドとコラボレーションする機会に恵まれました。

ークリエイターを起業家に成長させる活動も精力的に行っていると聞きました。
デザイナーとしてキャリアを積んでから時間が経つにつれ、これまで自分がプリントデザインなどについて学んだことを他者に教えることに興味を持ち始めました。そこで、私の経験や知識を他のデザイナーや学生に共有してために、デザイナーが起業家になるのを支援することを目指し、５年間かけてブラジルのいくつかの州を訪れ "BRASILIDADE ESTAMPADA"という活動を始めました。
幸いなことに、私の名前はブラジルでよく知られていたので、靴、衣料品、自動車、美容アクセサリーなどのブランドとパートナーシップを結ぶこともできました。
プリントデザイナーがプロとしての地位を確立するためには、自分の個性を示すユニークなスタイルが必要だと考えています。 それは自分の本質、自分のアイデンティティを示しています。
自分自身を知り、内面を見て、夢や目標を知らなければ、誰も独創的でユニークなものを作り、それを世界に示す勇気を持つことができるとは考えられません。

ーClauさんはこれまで多くの有名なファッションブランドとコラボレーションされてきましたが、 これまでで最も印象的な経験はありますか？
ブランドとの仕事はすべて特別な経験です。 パターンデザイン、プリントの制作においてどれも非常に勉強になりました。
あえて選ぶとしたら、Sandália IpanemaとGlamboxというブランドとのコラボレーションは私にとって特に大切な思い出です。
Sandália Ipanemaの仕事では、自分の手描きのスタイルをサンダルのデザインに反映させるという課題と、限られた色数しか使用できないという制限があったため、手描きのスタイルを守りながら、求められるものを作り出すために試行錯誤しました。
Glamboxのデザインの仕事では、色の制限がなかったので自分の創造性を最大限に引き出し、自分の創造性を伝えるイラストを作成することができました。 すべてのデザインをコピックで描いたんです。

ーとても華やかでパワフルなデザインですが、Clauさんのデザインに影響を与えているものはありますか？
私に最もインスピレーションを与えるのは自然です。花、葉、動物など、様々なものからアイデアをもらっています。

ーデザイナーと起業家、両方をこなしていくためのモチベーションはどこにありますか？
一番のモチベーションは、その仕事が好きであること、そして自分の表現したいものを色々な手段で伝えたいということです。ブラジルでは評価されにくいこともあり、デザイナーの自尊心が低いことが多いのですが、私はデザイナーとして経済的に自立できるということを多くの人に示したかったんです。
また、Clau Cicalaスタジオで確立した独自のプロセスとサービスによって、ほとんどの私たちのデザインワークはクライアントに大きな修正なく承認されています。このような経験によって、プリントデザイナーとしての成功への明確な方法を他のデザイナーにも示すことができるようになりました。

ーClauさんはデザインを制作する時にコピックを使用されていますが、コピックを使い始めたきっかけや使い続けている理由を教えてください。
コピックというブランドを知った瞬間から、虜になってしまいました。
ブラジルのオフィシャルブランドのウェブサイトでキットを購入したのが初めてコピックを手にした時です。
コピックのマーカーを使用してイラストを制作すると、自信と気に入った作品に仕上がりました。 他のマーカーも試しましたが、どれもコピックのような信じられないほどの色の範囲、発色の良さ、そして混色のしやすさがありませんでした。インクが補充できるという点もとても気に入っています。紙に描く場合は、コピックが最高のツールだと思います。今まで使った中で断然最高のツールです！

ー評価していただきありがとうございます。特に好きな色や使いやすい色はありますか？
たくさん好きな色があって選ぶのが難しいのですが……私のお気に入りはY15 / V09 / V06とRV29 / RV25 / RV69です。

ーこれからClauさんがチャレンジしてみたい事は何ですか？
今後の最大の課題は、世界中でBrasilidade Estampada Workshopを開催することと、国際的なブランドとのパートナーシップ取引や製品のライセンス供与を行うことです。コピックのスタッフの皆さん、インタビューの機会をありがとうございました！

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